12/02 - E' morto Roberto Antoni. Forse vi dice di più se dico Freakantoni. Forse ancora qualcosa di più se parlo degli Skiantos? Oppure no? Eppure è stato uno dei più importanti artisti del post '77 e non solo in campo musicale. Su Wikipedia è definito così: "Cabarettista comico e poliedrico artista, ha vestito i panni di numerosi personaggi o creato formazioni come Astro Vitelli, Beppe Starnazza e i Vortici, i Ruvidi del Liscio, gli Avanzi di Balera, i Pollok.

Col gruppo Gli Skiantos fu esponente di punta del genere Rock demenziale, definibile come rock ironico e dissacrante. È anche autore di numerosi libri, a partire dalla sua tesi di laurea al DAMS intitolata Il Viaggio dei Cuori Solitari: temi fantastici sulle canzoni dei Beatles, poi edita da Il Formichiere di Milano". Ma al di là delle definizioni Freakantoni è stato comunque geniale e importante. Oltre ad avere segnato una lunga epoca. E' morto a mattina del 12 febbraio 2014 all'età di 59 anni a seguito di lunga malattia, come si dice in genere quando si ha paura delle parole più complesse. "Almeno la malattia mi ha fatto smettere con la droga”, scherzava recentemente. Ma nel campo degli aforismi il suo massimo è stato quello che ormai è un classico: "La fortuna è cieca, ma la sfiga ci vede benissimo". Ci ha visto bene anche questa volta. Riposa in pace.

Non c'è gusto in Italia a essere intelligenti. Sì, è una frase di Freakantoni, una delle sue moltissime uscite memorizzabili. Una delle parole d'ordine, delle tante parole d'ordine che la nostra generazione si è scambiata negli anni dopo il 1977. Anni di piombo, ma anche di ironia, di de-sacralizzazione, di destrutturazione, di demenzialità. Che, al contrario di quanto avvenuto poi, era un fenomeno molto profondo. "A volte il fumo è molto meglio dell'arrosto". "Dio c'è. Ma ci odia". "Si dice che una volta toccato il fondo non puoi che risalire. A me capita di cominciare a scavare".Tra il 1977 e il 1980 con gli Skiantos ci ha sfornato uno dopo l'altro brani che hanno fatto la storia: da "Panka rock" (brucia le banche) a "Hey hey ma che piedi che c'hai" da "Io ti amo da matti (Sesso e karnazza)" a "Mi piaccion le sbarbine", da "Gelati" a "Fagioli" da "Ehi sbarbo" a "Sgommavo sul piazzale" , ma ognuno ha le sue da citare e da ricordare. Nel 1980 l'avventura degli Skiantos era ormai conclusa e Freakantoni lo capì per primo andandosene dopo una trilogia meravigliosa come "Inascoltabile" (1977), "Mono tono" (1978) e "Kinotto" (1979). Le successive reunion del 1987 e del 2009 per "Dio ci deve delle spiegazioni" non aggiungono molto al tanto già seminato.

Di Nando Mainardi

Milano, 4 dicembre 2011 - In queste settimane "Ala Bianca" sta pubblicando per la prima volta su cd i quattro lp incisi negli anni '70 da Enzo Jannacci per "Ultima spiaggia". È un'opera meritoria: quegli album, reperibili ad oggi solo su microsolco, rischiavano di essere totalmente dimenticati e rimossi. E lo stesso Jannacci, per quanto ancora oggi popolarissimo e tra i maggiori esponenti della canzone d'autore, rischiava e rischia un destino simile.

"Quelli che" (1975) e "O vivere o ridere" (1976) sono per molti aspetti il colpo di coda della grande stagione del cabaret milanese, che si esaurirà definitivamente con l'arrivo degli anni '80. Qui la comicità surreale di Jannacci si confronta in modo diretto con la politicizzazione crescente di quegli anni e con una grande libertà creativa.

Jannacci, che in quegli anni svolgeva l'attività medica praticamente a tempo pieno e per questo non si esibiva più dal vivo, si muoveva a maggior ragione sganciato da qualsiasi logica commerciale. Se a tutto questo si aggiunge che per il cantautore milanese fu anche l'occasione per radunare alcuni tra i maggiori jazzisti milanesi e i suoi collaboratori "storici" (a partire dal giornalista sportivo e amico Beppe Viola), i piatti "Quelli che" e "O vivere o ridere" sono serviti.

Del primo ricordiamo brani come la celebre title-track, lunghissimo elenco di luoghi comuni e situazioni paradossali declamato con voce impassibile e seriosa; Vincenzina e la fabbrica, un ritratto di solitudine proletaria composto per la colonna sonora del film di Mario Monicelli "Romanzo popolare"; Il monumento, pezzo antimilitarista e brechtiano ispirato da un manifesto murale contro la guerra.

Del secondo citiamo Vivere, rifacimento delirante della nota marcetta di Bixio, e Per la moto non si dà, brano composto con Dario Fo e palese presa per i fondelli de Il tempo di morire di Battisti-Mogol. "Secondo te che gusto c'è?" (1977), il terzo della serie, è un lavoro di minore impatto e probabilmente risponde più che atro ad un obbligo contrattuale. Non mancano però buoni spunti, come la cover della canzone di Chico Buarque La costruzione, e quache colpo di genio, come Jannacci, arrenditi.

"Fotoricordo" (1979) è un ritorno inequivocabile alla qualità, anche se ci troviamo in una fase nuova. Vale per Jannacci, vale per la canzone d'autore e vale per il mondo circostante. È un disco più amaro che comico, più ironico che nonsense. Jannacci canta disperazioni esistenziali in Io e te, Satimbanchi, Mario, Ecco tutto qui.

E omaggia l'allora emergente Paolo Conte, interpretandone magistralmente Bartali e Sudamerica. Jannacci minimizza la sua maschera comica e investe maggiormente sulla canzone. Ultima spiaggia chiuderà subito dopo, e Jannacci approderà alla Ricordi. In entrambi i casi c'era di mezzo il grande Nanni Ricordi, ma erano contesti ben diversi. Anche questo era un segno dei tempi: si preannunciava una vita grama per le piccole etichette discografiche e per chi si muoveva in contromano rispetto alle esigenze di mercato.

Quei dischi per molti aspetti irrepetibili, a trentacinque anni di distanza, riescono ancora a spiazzare, divertire e riflettere. Per questo non andavano e non vanno dimenticati.

Di Alessio Lega

10 /11 - Nohavica - una leggenda vivente della canzone europea - si troverà per la prima
volta in Italia per ritirare il Premio Tenco 2010. Canterà nella serata di sabato 12 novembre al Teatro Ariston di Sanremo.

Il giorno dopo - Domenica 13 novembre alle 22 - regalerà all'Italia un intero concerto nel Circolo ARCI La Scighera, che si è sempre contraddistinto per una straordinaria attenzione alla canzone d'autore.

Nel corso dei concerti è prevista la proiezione in diretta delle traduzioni dei versi di questo straordinario poeta.

Sarà un’occasione unica per i cechi residenti in Italia, ma soprattutto per gli italiani appassionati di canzone d’autore, di ascoltare in un concerto intimo qu est’artista abituato alle grandi sale teatrali e agli spazi aperti del suo paese.

Il concerto di Milano (come anche l'esibizione al Tenco) sarà introdotto dal cantautore Alessio Lega, che di Nohavica è l’interprete italiano autorizzato.

Il Premio che quest’anno il Club Tenco ha deciso di assegnare a Jaromir Nohavica è un atto di giustizia, perché si tratta di uno dei più grandi cantautori europei, ma è anche un atto di coraggio, perché Nohavica, amatissimo nella piccola Re pubblica Ceca, è pressoché uno sconosciuto fuori di essa.

Nohavica è nato a Ostrava, vicino al confine polacco, il 7 giugno del 1953. Negli anni ’70 si guadagna la vita facendo l’operaio, il bibliotecario, il traduttore, l’autore teatrale, e scrivendo i primi testi per gruppi pop e rock.

Sono tempi difficili: pur non essendo esplicitamente un dissidente, come invece il suo maestro Karel Kryl, Jarek (diminutivo di Jaromir) è troppo esplicitamente ostile alla rigidità del potere per esserne amato. Le sue canzoni si diffondono clandestinamente coi mezzi del glorioso samizdat.

Dopo la rivoluzione di velluto (1989) i primi album, registrati dal vivo voce e
chitarra, rendono disponibili i brani che il suo pubblico ascolta già da anni. M
a è con i progetti discografici Mikimauzoleum (1993) e Divné stoleti (1996) che
Nohavica compone le pietre miliari della musica ceca. Capolavori in equilibrio f
ra ironia e disperazione, come i romanzi di Hasek o di Hrabal, come i primi film
di Milos Forman.

Nei concerti Nohavica esplora sonorità lavorando con gruppi country, hard rock o
di formazione classica. Torna a dedicarsi al teatro e nel 2002 interpreta il ru
olo principale in uno strano inquietante e buffo film Rok Dabla. Negli ultimi tempi lo si vede sempre più spesso come alle origini: organetto o chitarra fra le braccia, solo di fronte al pubblico, con la voce vissuta. Il giro è compiuto, le esperienze sono fatte, Jarek torna all’essenzialità nuda, alla pura poesia.

Le canzoni di Nohavica si richiamano alla musica popolare dell’est europeo, al folk anglo-americano, alla canzone francese, e non disdegnano qualche eco blues. Se nei suoi testi fanno capolino sovente temi sentimentali e sociali, il nocciol o della sua produzione è filosofica. Il sorriso di quest’uomo, il tono caldo, la dolcezza melodica della quale ha il dono, stemperano le riflessioni sul dolore
e sul vuoto dell’esistenza. Come uno stormo di rondini migranti, le canzoni di questo bardo del nord volano in cerca del sole e dell’umanità, volano perché per vivere è necessario il movimento, tornano perché niente di ciò che si è vissuto è indegno di un racconto, di una fiaba, di un canto.

Di Giorgio Maimone
26/04 - Arriva vestito da marinaio. Anzi, da Capitano di lungo sorso: giacca blu e cappello bianco. Sul tavolo degli oratori, in ordine sparso, alcune balene: le più attente ascoltatrici. “E’ un disco epico”, attacca e dai primi brani che si diffondono nella sala già lo avevamo avvertito.

"Tutto viene dalla letteratura per rappresentare il nostro viaggio nell'esistenza". "Il marinaio rappresenta il nostro viaggio nell'esistenza. Il profeta è l'enigma: si occupa di interpretare i segni. La balena è qualcosa di fuori misura, qualcosa più grande di noi". "É venuto fuori un disco doppio, fuori misura, che ha una fisicità come il vinile. É un concept. Ma che motivo può avere uno per comprare un disco se non perché è qualcosa di bello, qualcosa che rimane? Non può essere un file su un computer".

Poche parole e già abbiamo definito i concetti base dell’album, anzi del disco, come continua convinto a chiamarlo Vinicio (e noi con lui). “Mi piace pensare a questo album come a un vecchio doppio vinile. Tra l’altro i vinili doppi spesso erano dei concept album. Mi piace pensare alla sua fisicità e al fatto che, come nei vecchi album, a un certo punto si deve cambiare disco. Come girare la facciata. E allora diciamo che il primo lato è biblico e anglosassone: risente della lettura di Melville, di Conrad. Il secondo invece punta più sul senso del ritorno. Che è l’eterno ritorno, ma anche una prigione: il nostos, la nostalgia, il desiderio della terra. Sentimenti che fanno parte dell’uomo. E’ un disco antropologico”.

L’impressione, da subito è di avere a che fare con un disco che è tanto. Con testi ispirati a Louis Ferdinand Celine, a Guido Ceronetti, a Moby Dick di Melville nella versione epocale di Cesare Pavese, a Lord Jim di Conrad, alla Bibbia (“il libro più saccheggiato di tutta la storia del rock & roll!”) ma anche all’Odissea, Compresa quella televisiva degli anni ’60. "Il disco è dedicato a Bekin Fehmiu, il grande interprete dell'Ulisse televisivo. Un eroe che si è tolto la vita l'anno scorso, perché si era trovato senza patria: il Kossovo. La guerra del Kossovo è una guerra imperialista come quella di Troia".

Sono diciannove pezzi inediti in ottantasei minuti di musica: un’ora e mezza, compreso il tempo per scartare la confezione. Che è elegante come un piccolo libro e gonfia altrettanto. All’interno della confezione i dischi spingono come per uscire, per l’urgenza di essere suonati.

“Sono canzoni che cambiano come il mare. Piene di enigmi: più di domande che di risposte. Da giovani ci piace ascoltare le canzoni struggenti, perché pensiamo prima o poi di poter superare quei momenti. Andando avanti con l’età sempre meno. E diventa anche più difficile scriverle. Diventa personale, doloroso. Con l’età di passa dalla lirica all’epica”.

E che questo sia un disco epico non è lecito nutrire dubbi. Lo è per l’impatto, per la forma, per la sostanza. Lo è perché Vinicio ormai ci ha insegnato che nulla di quello che fa è destinato semplicemente a passare. Va ascoltato e con attenzione. Magari anche per rifiutare. Ma solo dopo avere ascoltato e ascoltato bene. Come si compete a un libro, a un film, a un quadro che prima di uscirsene con un giudizio serve prestare attenzione. (segue)

10/03 - Sono pochi i personaggi così amati che non si smette di sentirne la mancanza per lucidità, la capacità di saper leggere e descrivere il contemporaneo, per la loro poesia che sa far sorridere, sa commuovere piangere e soprattutto sa far riflettere. Fabrizio De André riusciva a entrare nel cuore delle cose, estrapolando personaggi e situazioni, mettendo il dito al centro della piaga, ma sempre senza giudicare.

La mostra che ne ripercorre vita e carriera, dal semplice titolo Fabrizio De André - ideata e curata da Vittorio Bo, Guido Harari, Vincenzo Mollica e Pepi Morgia - dopo la prémière di Genova nel 2009, e dopo aver toccato Nuoro, Roma e Palermo arriva anche a Milano. Non è una mostra che si limita a esporre foto e cimeli ma, grazie allo straordinario allestimento progettato dallo Studio Azzurro, spalanca una porta sul mondo dell'artista, con video ed elementi interattivi. Camminando di stanza in stanza si incontrano i personaggi delle sue canzoni raffigurati nei tarocchi, ci si pone davanti a un tavolo magico che partendo dai suoi dischi "evoca" le persone che hanno collaborato ai lavori, la contestualizzazione dell'opera nel periodo storico, e ancora interviste, musica e spezzoni di concerti. E ancora, grazie a una moderna versione della lanterna magica, si viaggia nei luoghi del cuore di Fabrizio: dalla cascina di Revignano d'Asti, quella dove volava Nina, ai vicoli di Genova, fino alla Sardegna. Non mancano, infine, i manoscritti, le locandine, gli strumenti musicali. Le sei sezioni della mostra (la poetica, la musica, i personaggi, la vita, Fabrizio in video e i documenti) accompagnano il visitatore nel mondo deandreaiano.

24/02 - "Favoloso, semplicemente favoloso" - così in un'appassionata recensione sul Times, Clive Davis descrive lo spettacolo che ha chiuso il minitour europeo di Vinicio Capossela al Barbican di Londra il 15 febbraio.

Di ritorno dal suo "20 Years Show" che ha toccato oltre a Londra anche Parigi, Zurigo e Colonia, Capossela annuncia il nuovo doppio di inediti "Marinai, profeti e balene", in uscita il 26 aprile (La Cupa/Warner), a tre anni dal suo precedente lavoro "Da solo". E sarà subito in tour: partirà dal mare il nuovo show fortemente caratterizzato dai temi del disco. Primo approdo sarà infatti Genova, al Teatro Carlo Felice il 27 aprile. Il viaggio proseguirà nei teatri di molte città italiane.

Si sposterà poi al Palais di Saint Vincent di Aosta il 6 maggio. Dopo le due esibizioni di Firenze al Teatro Verdi il 10 e l'11 maggio, Capossela suonerà il 13 maggio al Teatro Ventidio Basso di Ascoli e il 16 maggio al Teatro Regio di Torino. Seguiranno due date al Teatro degli Arcimboldi a Milano il 21 e 22 maggio e il 23 maggio sarà la volta del Teatro Ponchielli di Cremona. La prima parte della tournée si concluderà all'Auditorium Conciliazione di Roma il 27 maggio per poi riprendere in estate con nuovi concerti che troveranno la loro cornice naturale nei luoghi di mare e del mito. Marinai, profeti e balene è un’opera sul fato, sul viaggio e il mare come metafora e scenografia del destino umano. Da Omero a Dante, da Melville a Conrad, è un disco che trova ispirazione nella letteratura di tutti i tempi e in cui risuonano il mito, le voci di marinai, di profeti e balene.

20/01 - E’ stato presentato questa mattina a Londra da Ifpi - International Federation of Music Phonographic Industry - il nuovo Digital Music Report 2011 che evidenzia una forte crescita e la scelta da parte dei consumatori nell’utilizzo tra le ormai più di 400 piattaforme che a livello mondiale permettono di fruire ed acquistare musica attraverso il web.

I ricavi derivanti dalla musica digitale sono stati nel 2010 pari a 4,6 miliardi di dollari, con una crescita del 6% a livello mondiale. Sono ormai oltre 13 milioni le tracce disponibili a livello mondiale negli store digitali il che ha permesso, nel giro di 6 anni, un incremento del 1000% dei ricavi derivanti dalla musica online. La crescita del mercato della musica digitale ha visto coinvolta anche l’Italia dove, nell’ultimo anno, i download sono stati oltre 12 milioni con un incremento del 12% rispetto all’anno precedente.

Il documento Ifpi mette poi anche in risalto come la lotta alla pirateria e lo sviluppo di nuovi modelli di business, uniti alla cooperazione con gli Isp Provider e alla crescita costante dello streaming, audio e video, siano elementi fondamentali per un continuo sviluppo di un mercato che ancora non riesce completamente a coprire le perdite relative al mercato tradizionale.

Tra i singoli artisti le migliori vendite digitali appartengono a Kesha con "Tik tok" con 12,8 milioni di pezzi, seguita da Lady Gaga con "Bad Romance", Eminen featuring Rihanna con "Love the way you lie". ancora Lady Gaga feauturing Beyoncé con "Telephone" e al quinto posto Usher feuturing Will.i.a.am con "Omg".